È un grande onore essere presente al Festival dei Due Mondi di Spoleto in un concerto-ritratto dedicato al mio lavoro. Stasera ascolterete tre opere recenti, tra cui una prima assoluta, eseguite magistralmente dai miei cari amici dell’Ensemble Garage e dagli artisti ospiti.
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Testi di Baldwin Giang

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Scenes from the Post-Diaspora‍

per ensemble e video‍

prima assoluta

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flauto Laura Faoro

clarinetto Carlos Cordeiro

pipa Yun-han Su

tastiera Malgorzata Walentynowicz

percussoni Yuka Ohta

violino Rada Ocharova

violino Jacob Schafer

viola Emlyn Stam

violoncello James Morley

direttore Elias Peter Brown‍

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Scenes from the Post-Diaspora racconta i luoghi in cui ho vissuto, dove l’identità deve essere sempre interpretata e negoziata, e immagina con senso critico cosa potrebbe significare in futuro appartenere a una diaspora. Il concetto di “post-diaspora” deriva dagli scritti del teorico Shu-mei Shih, il quale sostiene che, vista la migrazione diffusa e post-generazionale dei popoli lontano dalle loro patrie ancestrali, «la diaspora dovrebbe avere una fine... a chiunque dovrebbe essere data la possibilità di diventare local». Pur restando agnostico sul fatto che una “post-diaspora” utopica possa o debba avvenire, sono interessato a indagare le condizioni di spazio e di tempo che potrebbero far sentire un soggetto visibile e accettato nella sua differenza culturale, indipendentemente dal fatto di appartenere a una comunità maggioritaria o minoritaria. Si potrebbe dire che sto cercando e immaginando le tracce della “post-diaspora” nel presente.

La ricerca artistica alla base di questo progetto è stata semplice: mi sono filmato mentre portavo con me i segni della mia identità, la pipa (un liuto tradizionale cinese) e il đàn nguyệt (un liuto tradizionale vietnamita), mentre interagivo con gli ambienti urbani con cui ho un legame personale. Ho poi scritto la musica in risposta agli effetti generati dall’interazione tra la mia identità, l’ambiente e il mezzo video. Infine, ho montato e ordinato il video in una sintassi non narrativa, ma strettamente integrata con la musica.

La prima scena si svolge a Philadelphia, dove sono nato. Realizzato in collaborazione con il regista di Philadelphia Brian Erickson, il video indaga la politicizzazione dei confini della Chinatown della città statunitense. A fronte di una lunga storia di organizzazione politica da parte della comunità, i dirigenti comunali di Philadelphia hanno stravolto la geografia urbana di Chinatown installando un’autostrada che taglia in due il quartiere e minacciando di costruire una prigione e uno stadio di basket ai suoi margini. Nel mio lavoro, la relazione tra video e musica esplora le barriere che costituiscono l’identità del quartiere e sovverte giocosamente la rigidità di questi confini.

La seconda scena – un video realizzato in collaborazione con il regista taiwanese Chris Kang – riguarda Ximending, un appariscente quartiere commerciale di Taipei ricoperto di neon che fonde il consumismo asiatico e quello occidentale. Ho vissuto un anno in questo quartiere e mi interessava capire come incarnasse un ottimismo ubriaco ed evasivo sul futuro, ma anche i segni dell’eccesso del capitalismo. Girato a tarda notte dopo che le orde di turisti se ne sono andate, in loro assenza sentiamo solo le tracce di un pubblico globalizzato.

L’ultima scena, realizzata in collaborazione con il regista italiano Andrea Bancone e l'attore italiano Gabriele Lepera, riflette sulla porosità del luogo, dell’identità e della storia nei locali di cruising gay di Roma. Girato a Villa Gordani, un bellissimo parco con antiche rovine che di notte diventa un ritrovo per il cruising delle diverse comunità di immigrati queer dell’estremo oriente di Roma, così come a Settimo Cielo a Ostia, indaghiamo il modo in cui la queerness e la migrazione si intersecano con la natura palinsestica della vita cittadina a Roma. A differenza di Philadelphia, i confini sono fluidi e gli sconfinamenti sono frequenti e discreti. L’identità è multimodale e attraverso l’interazione di diversi media puntiamo a un’estetica che possa contenere la sua vasta molteplicità.

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songs after sufjan‍

per violino, violoncello e pianoforte (doppia tastiera)

prima italiana

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I. I should have known better

II. so/that

III. to be alone with you

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violino Rada Ocharova

violoncello James Morley

pianoforte, tastiera Malgorzata Walentynowicz‍

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‍songs after sufjan è, in parte, un omaggio al cantautore/compositore Sufjan Stevens. Il mio brano per trio con pianoforte si avvale di alcuni materiali musicali delle canzoni di Stevens, come la trasposizione della loro produzione pop accuratamente orchestrata in un’armonia microtonale onirica e in tecniche estese, come mezzo per evocare sia l’intimità che l’affetto delicato dei mondi sonori di Stevens. Inoltre, i fantasmi dei testi di Stevens, ricontestualizzati in rapporto alla mia musica, servono come punto di partenza per l’arco emotivo unico del mio lavoro.

Il primo movimento, I should have known better, è un riferimento alla canzone Should have known Better dell’album di Stevens del 2015 Carrie and Lowell. Il testo di Stevens tratta il suo dolore per la morte della madre e la natura conflittuale del loro rapporto, prima di una svolta inaspettata verso la luce che la nipote appena nata porta nella sua vita. Il mio lavoro, ispirato dalla drammaticità dei testi, accosta materiali fortemente contrastanti basati sul cromatismo e sull’intonazione giusta. Il secondo movimento, so/than, è uno studio sull’ambiguità. Funziona sia come interludio tra i movimenti I e III sia come fulcro emotivo dell’intera opera. Il titolo del terzo movimento, to be alone with you, è un riferimento all’omonima canzone di Stevens; ho trovato il testo della canzone – che esprime il necessario sacrificio di sé stessi per stare da soli con qualcuno e con Dio – particolarmente pertinente in un periodo in cui stavo compiendo scelte difficili nella mia vita personale durante la pandemia di COVID-19. In questi tempi, scegliere di stare da soli con qualcuno porta conforto e rischio, compagnia e imbarazzo.
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songs after sufjan è dedicato a mia madre, Cam Ly, che è morta di cancro nel novembre 2020 mentre componevo il brano.
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my axe, my gun...my wayward son‍

per quattro musicisti‍

‍prima italiana‍

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I. my axe

II. my gun

III. ... my wayward son

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clarinetto basso, keytar Carlos Cordeiro

tastiera, keytar Malgorzata Walentynowicz

percussioni Yuka Ohta

chitarra elettrica, basso Steffen Ahrens‍

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my axe, my gun... my wayward son, scritto per commemorare il 40° anniversario del memoriale della guerra del Vietnam, si apre su una rete di metafore che mettono in relazione la musica strumentale con la violenza e l’espressione di sé nella musica occidentale. L’oscillazione virtuosistica dei chitarristi elettrici (e dei sassofonisti) durante gli assoli ha generato lo slang americano di “axe” per indicare la chitarra. Fin dalla nascita dell’orchestra europea, tra la fine del XVII e l’inizio del XVIII secolo, i commentatori hanno paragonato l’orchestra a un esercito e l’alzata coordinata degli archi dei violini all’“alzata dei moschetti”. my wayward son si interroga su come questa strumentazione unica e il suo talento improvvisativo possano instaurare una serie di relazioni con l’esecutore che derivano da metafore profondamente radicate nella musica occidentale, da uno strumento come arma a uno strumento come veicolo per un vagabondaggio immaginativo.

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