In this play written in 1960/61, Samuel Beckett explores a melancholy subject, steeped in humor, that nowadays even more than in the past draws our attention and moves our souls: on the path to senescence, when we feel more fragile to because of the effects of time, how can we live, feel, hope for happiness?
Beckett introduces us to the world of Winnie, a middle-aged woman buried up to her waist in a mound. In Robert Wilson's vision this is the result of an eruption in the asphalt. The lower part of her body is motionless and hidden from view. Winnie communicates solely with her arms, hands, face, words, and her eyes full of expression. Winnie tries to turn every day into a happy day, tries to find moments of happiness through rituals that she herself has created: she collects everyday objects around her, talks to them and recalls moments from her past life with a smile. These rituals give her the strength to find meaning in life, despite the fact that her mobility deteriorates to the point where only her head emerges from the mound. Especially important to the woman is the presence of her husband Willie, who shows affection toward her despite being of few words. Finally, perhaps at the end of the last day, it is not surprising that Winnie sings their favorite melody, the poignant tune from The Merry Widow... "Lippen schweigen"... (Ellen Hammer)

"I had the honor of having a visit from Samuel Beckett in my dressing room on the occasion of one of my first plays, to letter for Queen Victoria.
He complimented me on the fragmented, nonsequential text. When Eugene Ionesco reviewed my first play, Deafman Glance, he wrote, 'Wilson has gone further than Beckett,' so when I finally met him I was very intimidated.
I have always felt an affinity with Beckett's world. In some ways I have always felt him close to my work, but only now, after thirty-five years, have I decided to accept the challenge and confront him.
I like Happy Days because it is both very simple and extremely complex. You immediately understand the situation. If you buy a ticket to a play called Happy Days, enter the theater and see a woman buried up to her neck, you can forget the situation and feel freely involved.
Early in my career, I saw Madeleine Renaud play Happy Days several times to Paris. I admired her acting and was worried that I would never find an actress like her and never be able to direct a show as good.
In my staging I see space as an asphalt jungle and Winnie is trapped in it. The lines are very severe, sharp. Blue and black. But there is also a magical landscape -- a surprise.
This is my first time working with Adriana. Comedy is all about rhythm, and Adriana has an extraordinary sense of rhythm, which means she is also a great comic actress. I love her huge eyes, which are always listening."
Robert Wilson

Samuel Beckett
Born to Dublin April 13, 1906, and died to Paris Dec. 22, 1989, Irish writer, playwright and director. He studied Romance languages and literatures at Trinity College Dublin, graduating with a thesis, later published, on Proust. Moved to Paris, was appointed reader in English to l´Ecole Normale Supérieure becoming James Joyce´s secretary. He frequented surrealist circles and published a number of novels including Molloy (1951), Malone dies (1951) and The Unnamable (1953). According to a happy insight by Martin Esslin, Beckett was considered among the greatest exponents of the theater of the absurd, along with to Eugène Ionesco and to Arthur Adamov. For the theater he wrote Waiting for Godot in 1952 (opera first written in French and then translated from himself into English) which was first performed on January 5, 1953 to Paris, at the Théâtre de Babylone. He later wrote Fin de partie (Finale di partita, 1957) and Oh les beaux jours (Happy Days, 1960). For film he wrote in 1963 the screenplay for Film (released in 1965) with Buster Keaton. For German TV he made as author and director five "teleplays," which were visually striking for their experimentation with language and directorial ideation (of particular note are Quad (1981) and Nacht und Träume (1982). In 1969 he received the Nobel Prize in Literature, but did not show up to collect it.

Adriana Asti
At the Piccolo Teatro in Milan, under the direction of Giorgio Strehler, she took part to Bruckner's Elizabeth of England, Gogol's Revizor, and Goldoni's Harlequin Servant of Two Masters.
She was directed from Luchino Visconti in Arthur Miller's The Virgins of Salem, Thomas Wolfe's Angelo looks at the Past, Harold Pinter's A Long Time Ago, and Natalia Ginzburg's Teresa.
She starred in Pirandello's plays: Questa sera si recita to soggetto, Vestire gli ignudi, Trovarsi, and Come tu mi vuoi directed from Susan Sontag.
She was Shaw's Cleopatra, Squarzina's Rosa Luxembourg, and Copi's Eva Perón.
Under the direction of Luca Ronconi she played George Bernand Shaw's Saint Joan and Ariosto's Orlando Furioso.
In 1997 she played Ashes to Ashes under the direction of Harold Pinter.
Her first French-language role was in 1987 when she played Mirandolina in Goldoni's La locandiera, directed from Alfredo Arias at the Théâtre de la Commune in Paris. She later acted in French in Natalia Ginzburg's Teresa at the Théâtre Petit Montparnasse directed by Giorgio Ferrara, Emma B. widow Jocasta by Alberto Savinio, at the Théâtre du Rond-Point directed from Pierluigi Pizzi, Roussin's Nina at the Théâtre Gaîté Montparnasse directed by Bernard Murat and Ruccello's Ferdinando, at the Théâtre du Rond-Point directed by Marcello Scuderi.
For the cinema she has acted in more than 50 films, directed by leading Italian directors, among her performances: Rocco and His Brothers and Ludwig directed by Visconti, Pasolini´s Accattone and Capriccio all´italiana, Bertolucci´s Prima della rivoluzione and other collaborations with De Sica and Bolognini.
In France she worked with Buñuel in The Phantom of Liberty, Claire Devers in Chimère, Mathieu Amalric in Mange ta soupe, Frederic Fisbach in La pluie des prunes, Jacques Hertaud in Les Allumettes suédoises and Gérard Vergez in Dans un grand vent de fleurs.
She has recently been directed from Marco Tullio Giordana in La meglio gioventù.
Awards and honors received during her theatrical and film career include the Eleonora Duse Award, the Ennio Flaiano Award, three Maschere d'Oro, a Grolla d'Oro, a David di Donatello, three Nastri d'argento della Critica Cinematografica Italiana and the Vittorio De Sica Award.

Robert Wilson
Il New York Times ha definito Robert Wilson “una pietra miliare del teatro sperimentale mondiale”. Il suo lavoro si serve di diverse tecniche artistiche integrando magistralmente movimento, danza, pittura, luce, design, scultura, musica e drammaturgia. I suoi spettacoli sono di un’altissima intensità estetica e di grande potenza emotiva e gli hanno procurato il consenso generale del pubblico e della critica in tutto il mondo.
Ha ricevuto numerosi premi e onorificenze, tra cui due premi Guggenheim Fellowship (1971, 1980), il premio Rockefeller Foundation Fellowship (1975), la nomination per il Premio Pulitzer (1986), il Leone d’Oro per la scultura alla Biennale di Venezia (1993), il premio Dorothy and Lillian Gish alla carriera (1996), il Premio Europa di Taormina Arte (1997), l’elezione all’American Academy of Arts and Letters (2000) e il premio del National Design alla carriera (2001). È stato nominato Commandeur des Arts et des Lettres (2002).
Nato a Waco, Texas, Wilson compie i suoi studi all’Università del Texas e nel 1963 arriva a New York per frequetare l’Istituto Pratt di Brooklyn. Nel 1968 fonda la Byrd Hoffman School of Byrds, dove ha ideato i suoi primi spettacoli. Nel 1969 Wilson presenta a New York due grandi produzioni: The King of Spain al Teatro Anderson e The Life and Times of Sigmund Freud che debutta alla Brooklyn Academy of Music. Nel 1971 ottiene il successo internazionale con il rivoluzionario Deafman Glance, opera creata in collaborazione con Raymond Andrews, un ragazzo sordomuto che Wilson ha adottato. Dopo il debutto parigino dell’opera, l’artista surrealista Louis Aragon ha scritto di Wilson: “Lui rappresenta ciò che noi speravamo venisse dopo e oltre noi, dal momento in cui il Surrealismo è nato”. Considerato come figura di spicco della nascente avanguardia newyorkese, Wilson si dedica a opere in grande scala e, con Philip Glass, crea la monumentale Einstein on the Beach, che diviene un successo planetario cambiando la concezione convenzionale dell’opera come forma artistica. L’opera è presentata al Festival d’Avignone e al Metropolitan di New York ed è quindi riproposta in due tour mondiali nel 1984 e nel 1992. Dopo Einstein, Wilson ha moltiplicato le collaborazioni con i teatri e gli enti lirici europei. Insieme a scrittori e performer di fama internazionale, Wilson ha creato lavori originali che sono diventati pietre miliari e sono stati presentati al Festival d´Automne a Parigi, alla Schaubühne a Berlino, al Thalia Theatre di Amburgo e al Festival di Salisburgo. Alla Schaubühne ha creato Death Destruction & Detroit (1979) e Death Destruction & Detroit II (1987); al Thalia ha presentato le pionieristiche/innovative opere musicali The Black Rider (1991) e Alice (1992). All’inizio degli anni Ottanta Wilson sviluppa quello che rimane il suo progetto più ambizioso: l’epico the CIVIL warS: a tree is best measured when it is down. Creato in collaborazione con un gruppo internazionale di artisti, Wilson l’ha concepito come opera centrale del 1984 Olympic Arts Festival a Los Angeles; sebbene non sia mai stato completata, singole parti sono state presentate negli Stati Uniti, in Europa e in Giappone.
Negli ultimi due decenni Wilson ha introdotto la sua specifica sensibilità per luci, senso dello spazio e del movimento nel repertorio teatrale tradizionale e operistico, ideando e dirigendo opere al Teatro alla Scala, al Metropolitan, all’Opéra Bastille di Parigi, all’Opera di Zurigo, alla State Opera di Amburgo, alla Lyric Opera di Chicago, e al Houston Grand Opera. Per citare solo alcuni titoli: Parsifal di Wagner (Amburgo, 1991); Il Flauto Magico di Mozart (Parigi, 1991-99); Lohengrin di Wagner (Zurigo, 1991; New York, 1998); Madama Butterfly di Puccini (Parigi,1993-98; Bologna, 1996; Hamamatsu, 1999; Amsterdam, 2003; Los Angeles, 2004); Pelléas et Mélisande di Debussy (Salisburgo, 1997; Parigi 2004). Ha inoltre portato in scena adattamenti innovativi di opere di scrittori quali Virginia Woolf, Henrik Ibsen e Gertrude Stein. Nella sua carriera Wilson ha collaborato con artisti come Heiner Müller, Tom Waits, William S. Burroghs, David Byrne, Lou Reed, Allen Ginsberg, Laurie Anderson, Jessye Norman e Susan Sontag.
Recentemente Wilson ha completato una produzione completamente nuova, basata su un poema epico dell’Indonesia, intitolata I La Galigo, che ha fatto un lungo tour ed è andata in scena al Lincoln Center Festival nell’estate 2005.
Wilson continua a dirigere riprese delle sue produzioni più celebrate, tra cui The Black Rider a Londra, San Francisco e Sydney; The Temptation of Saint Anthony a New York e  Barcellona, Erwartung a Berlino, Madama Butterfly al Bolshoi Opera di Mosca, e The Ring di Wagner al Teatro Chatelet di Parigi.
Oltre a essere conosciuto e acclamato universalmente per le sue opere teatrali, il lavoro di Wilson continua a essere legato al mondo dell’arte contemporanea. Complete retrospettive sono state presentate al Museum of Fine Arts di Boston e al Centre Pompidou di Parigi. Ha curato installazioni al Stedelijk Museum di Amsterdam, al Clink Street Vaults di Londra e al Guggenheim di New York e Bilbao. Il suo straordinario tributo a Isamu Noguchi è stato recentemente in mostra al Seattle Art Museum e la sua installazione per il Guggenheim Giorgio Armani retrospective è stata allestita a Londra, Roma e Tokyo. Nel 2007 la Galleria Paula Cooper e Phillips de Pury & Co a New York hanno presentato la sua ultima avventura artistica, VOOM Portraits, ritratti che includono personggi come Gao Xingjian, Winona Ryder, Mikhail Baryshnikov e Brad Pitt. La mostra è stata poi presentata alla Galleria ACE di Los Angeles, a Napoli e Spoleto. I suoi disegni, i suoi video e le sue sculture sono conservate in collezioni private e musei in tutto il mondo. È rappresentato dalla Galleria Paula Cooper di New York.
Wilson è anche il fondatore e il direttore artistico del Watermill Center, che ogni estate ospita studenti e professionisti di diversi ambiti artistici da tutto il mondo, un laboratorio interdisciplinare per le arti. Nel luglio del 2006, il Watermill Center ha costruito un nuovo edificio con alloggi e spazi per le prove ed ha inaugurato un programma di studi della durata di un anno.

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